Rivers sind genauso Orte der Vorstellungskraft wie sie Fakten der Geografie und politischen Geschichte sind.
In der Einleitung seines Buches „Kongo: Die epische Geschichte eines Volkes“ aus dem Jahr 2014 erkennt der belgische Historiker David van Reybrouck diese Dualität an – nennen wir es die magische Wirklichkeit der Flüsse – in Bezug auf den größten Fluss Zentralafrikas.
Der Kongo hat eine Resonanz, die weit über seine 4.700 km Länge hinausgeht. Das Becken, in dem der Fluss in den Atlantischen Ozean mündet, ist ein Rätsel der Farben: eine gelbliche, ockerfarbene, rostige Brühe, die sich während der Regenmonate 800 km nach Westen erstreckt: “So beginnt ein Land: weit vor der Küste, verdünnt mit viel und viel Meerwasser.“
Kurator Owen Martin lebte noch in Kapstadt – einem Ort mit epischen Bergen, aber mittelmäßigen Flüssen -, als er Van Reybroucks weit bewundertes Buch las. Er fand die Verbindungen, die der Autor zwischen Hydrologie und Geschichte herstellte, aufschlussreich und behielt sie für eine mögliche Ausstellung über Flüsse im Hinterkopf.
Es dauerte eine Weile und einen Umzug, um diese Ausstellung letztendlich zu verwirklichen.
Martin lebt jetzt in Oslo, Norwegen, wo er Kurator am Astrup Fearnley Museum ist.
Zwei Jahre nach seinem neuen Job im gut ausgestatteten privaten Kunstmuseum mit umfangreichen Beständen an Blue-Chip-amerikanischen und europäischen Künstlern hat Martin endlich seine Traumausstellung verwirklicht. Ihre Realisierung ist teilweise eine Geschichte der Wiederbelebung.
Unter Südafrikanern ist Martin am besten bekannt für seine fünfjährige Amtszeit als sympathischer Chefkurator der Norval Foundation in Kapstadt.
Nach seinem Wechsel von Zeitz MOCAA im Jahr 2017 zur Norval Foundation zeichnete sich Martin durch die Organisation von Einzelausstellungen aus, die bedeutende afrikanische Talente in den Mittelpunkt stellten, darunter der kenianische Maler Michael Armitage und der ghanaische Installationskünstler Ibrahim Mahama.
Aber der Weggang von Norval-CEO Elana Brundyn im Jahr 2022 belastete Martin, einen Kanadier, der 2011 in den Orbit des Kunstsammlers Jochen Zeitz geriet, mit neuen administrativen Aufgaben. Er sah oft erschöpft aus. Anfang letzten Jahres verließ Martin Kapstadt für einen neuen Job in Oslo.
„Between Rivers“ ist Martins erste große thematische Ausstellung.
Gruppenausstellungen sind die Art und Weise, wie aufstrebende Kuratoren ihre Ambitionen signalisieren. Während seiner Zeit bei Norval waren solche Aussageausstellungen das Gebiet von Kuratoren wie Karel Nel und Portia Malatjie. Aber jetzt, kurz vor seinem 40. Geburtstag, macht Martin endlich seinen Zug.
„Between Rivers“ ist eine durchdachte, literarisch beeinflusste Ausstellung, die zwar manchmal abstrus ist, letztendlich jedoch anregend ist – sie erneuert sogar das Verständnis der südafrikanischen Geschichte dieses alten Schreibers.
Vielleicht ist der Titel das erste bemerkenswerte Merkmal. Van Reybrouck mag Martin eine Idee vorgeschlagen haben, aber es war der kenianische Autor Ngugi wa Thiong’o, der 1965 den Roman „The River Between“ inspirierte, der den Titel seiner Ausstellung inspirierte.
Der norwegische Geograf Terje Tvedt, dessen Sachbuch „Der Nil“ (2021) sowohl eine umfassende Geschichte als auch eine Reisenarrative des längsten Flusses der Welt ist, erweiterte Martins Denken weiter.
Der Leitfaden zur Einführung der Ausstellung wird mit einem Zitat aus einem Essay von 2022 der kanadischen Dichterin und Schriftstellerin Lisa Robertson eingeleitet. „Eine Flut ist das, was fließt, sagt die Etymologie, wo das Fließen im Übermaß ist“, heißt es. „Aber es ist durch Überschwemmungen, dass ein Fluss seine Form konstruiert; Form ist der Überrest des Überflusses, die Verzweiflung des Inhalts, das Scheitern der Flucht.“
Die epische Überschwemmungsebene des Kongo-Flusses ist visueller Beweis für die Geometrie dieses bestimmten Flusses. Anders ausgedrückt, der Fluss wird zum Meer, aber das Meer ist auch die Erinnerung an einen Fluss.
„Between Rivers“ versammelt Werke von 12 Künstlern, deren Arbeit sich damit befasst, „ein Thema darzustellen, das gleichzeitig fest und unerbittlich in Bewegung ist“, wie Martin es im Ausstellungsführer formuliert.
Seine Auswahl widersetzt sich dem männlichen, euro-amerikanischen Sammlungsfokus seines Arbeitgebers und bevorzugt stattdessen eine weltlichere, geschlechtssensible Liste von Teilnehmern.
Die Ausstellung umfasst sicherlich bedeutende amerikanische Künstler wie Zoe Leonard und Senga Nengudi sowie angesehene Europäer wie Alex Ayed, Marjetica Potrc und Cato Løland – der einzige Norweger darunter. Aber “Between Rivers“ enthält auch Werke von Künstlern aus Kolumbien, Ägypten, Indien, Marokko, Pakistan, Südafrika und Vietnam.
Wasser vermittelt oft Identität; es hat auch die Fähigkeit, sie zu löschen. Der französisch-tunesische Künstler Alex Ayed hat das befreiende Potenzial des Wassers angenommen. Im vergangenen Jahr begab sich Ayed auf eine mehrjährige Weltumsegelung. Seine neue aquatische Identität wurde mit einer Ausstellung gefeiert.
„In zeitgenössischen Gesellschaften scheint die Betrachtung – von Wolken, dem Wind, einem überfliegenden Vogel, anderen sinnlichen Beobachtungen – nur für den Träumer zu sein, aber in Wirklichkeit ist es das Wesentlichste für jeden, der auf See lebt“, erklärte Ayed in einer Erklärung, die der Ausstellung des vergangenen Jahres in der Pariser Louis Vuitton Foundation vorausging. „Diese Elemente, die an Land als ‚poetisch‘ beschrieben würden, sind für den Seemann lebenswichtig … [ermöglichen es ihm], in einer Umgebung zu leben, die so feindlich wie erhaben ist.“
Martins Ausstellung untersucht diese Dualität, indem sie Werke gegenüberstellt, die Flüsse explizit als soziale Entitäten beschwören, mit Werken, die eher „indirekte Strategien“ bevorzugen, um einen Ausdruck des Musikers und Künstlers Brian Eno zu entlehnen.
Die Ausstellung beginnt mit Auszügen aus Zoe Leonards „Al río / To the River“ (2016 bis 2022), einem Fotoessay, der Aspekte des Lebens entlang des Rio Grande zeigt. Der Fluss markiert die umstrittene Grenze der USA zu Mexiko, wo er als Río Bravo bekannt ist.
Leonards Schwarz-Weiß-Fotos sind repetitiv und sachlich. Sechs Fotos zeigen Vergnügungssuchende, die sich an einem von Menschen geschaffenen Ort entlang eines Abschnitts des Flusses versammeln, der der industrialisierten Rustikalität des Limpopo bei Beit Bridge nicht unähnlich ist. Ein Raster von 34 Fotos zeigt einen Hubschrauber, der etwas oder jemanden überwacht.
Die Ausstellung verzichtet kurz darauf auf diesen sozialen Ansatz zugunsten von Werken, die „die poetischen und imaginativen Möglichkeiten“ von Flüssen nutzen.
Die Holz- und Seilstruktur im Zentrum der Installation der slowenischen Künstlerin Marjetica Potrc ist ein Anstoß, über neuartige „Erdrechtsprechung“ nachzudenken, die sich dafür einsetzt, natürlichen Entitäten wie Flüssen rechtliche Rechte zuzuerkennen.
„Das Haus der Vereinbarung zwischen Menschen und Erde“, wie Potrcs Arbeit betitelt ist, wurde in Zusammenarbeit mit Ray Woods, einem Aborigine-Ältesten, für die 23. Biennale von Sydney im Jahr 2022 geschaffen. Die Erdrechtsprechung hat in Australien festen Fuß gefasst.
Potrcs Arbeit gehört zu den wenigen im Show mit vorab genehmigtem Status.
Das Werk des marokkanischen Künstlers Hicham Berrada, „Mesk-ellil“ (2019), sieben getönte Glas-Terrarien, die wachsende Beispiele von nachtblühendem Jasmin enthalten, wurde 2019 im privaten Museum des Sammlers François Pinault in Venedig, Punta della Dogana, gezeigt.
Gleiches gilt für die indische Künstlerin Reena Saini Kallat, deren Trio von Klangskulpturen, „Chorus I-III“ (2015 bis 2019), auf der 15. Sharjah Biennale in den Vereinigten Arabischen Emiraten gezeigt wurde.
Kallats bemerkenswerte und freudige Werke beleben die Form von präradarischen Abhörgeräten wieder, die in der frühen Mitte des 20. Jahrhunderts für militärische Überwachung verwendet wurden. Jede gibt ein Kakophonie von Vogelrufen von Vogelarten ab, die tumultuöse Grenzgebiete bewohnen: Israel-Palästina, Irland-UK und Mexiko-USA.
Die Anrufung von Klang als Kunstmaterial ist auch zentral für James Webbs Beitrag zu „Between Rivers“. „Wozu wurdest du gemacht, um zu enthalten?“ fragt die Stimmenkünstlerin Lesoko Seabe eine 4.000 Jahre alte neolithische Tonvase aus der Region des Oberen Gelben Flusses in China, die auf einem Sockel installiert und allein in einem Teppichraum gezeigt wird. Es folgen weitere Fragen. „Wovon sprechen deine Narben?“
Die 172 Fragen wurden von Webb, einem in Kapstadt geborenen Künstler, der jetzt in Stockholm, Schweden, lebt, entworfen. Kumulativ laden die Fragen den Zuschauer-Hörer ein, die verschiedenen möglichen sozialen und kulturellen Bedeutungen und Resonanzen des konfrontierten Objekts zu betrachten.
Im Juni inszenierte Webb eine ähnliche Arbeit in Basel, Schweiz. Ein im Freien installierter Lautsprecher auf der historischen Mittleren Brücke über den Rhein spielte eine Reihe von forschenden Fragen, die von Victoria Davies gesprochen wurden.
Webbs Arbeit ist eine von zwei bemerkenswerten neuen Aufträgen für Martins Show. Das andere ist ein dreieckiger Tunnel, der in eine Innenwand des Museums eingebaut ist.
„Gefahr lauert in der Dunkelheit“, sagt eine Figur in Ngugis „The River Between“.
Die kolumbianische Künstlerin Delcy Morelos spielt mit dieser Idee in ihrem nach Zimt und Nelken duftenden Grottenstück „Profundis“ (2024). Sie riechen das Werk, bevor Sie es sehen, was kaum der Fall ist, sein dunkles Inneres unbeleuchtet.
Das Stück enthält Erde, die aus dem Glomma, Norwegens längstem Fluss, geerntet wurde.
Der Fluss wurde einst genutzt, um gefällte Bäume zum Markt zu transportieren.
Es gibt eine indirekte südafrikanische Verbindung – norwegisches Holz war ein Grundnahrungsmittel für die riesigen holländischen Frachtschiffe des 16. und 17. Jahrhunderts, von denen einige die Route um das Kap befuhren.
Das Meer ist ein wiederkehrendes Symbol in Martins Ausstellung über Flüsse. Es wird am deutlichsten in einer Auswahl von Ayeds trickreicher Praxis signalisiert. Martin hat vier von Ayeds gemäldeartigen Werken aus Segelbootstoffen sowie einen nicht registrierten Notfunkbaken, ein in Olivenöl konserviertes Insekt und eine präparierte Möwe in die Ausstellung aufgenommen.
Die abstrakten Gemälde, schlicht und doch visuell taktil, fordern jeweils heraus. Sie werden profitabel zusammen mit der größten von Nengudis vier Wasserskulpturen gezeigt.
Als Teil einer Gruppe talentierter kalifornischer Künstler, die in den späten Sechzigern aufkamen, ist Nengudi die ursprüngliche Slay-Queen – und auch die Geistmutter von exportfähigen südafrikanischen Künstlern wie Dineo Seshee Bopape und Turiya Magadlela.
Anstatt die Agitprop-Bürgerrechtskunst ihrer Kollegen zu meiden, bevorzugte Nengudi objektbezogene Performances und kühne skulpturale Experimente. Ihre frühesten gelösten Werke beinhalteten das Einfangen von mit Lebensmittelfarbe gefärbtem Wasser in hitzeversiegelten Vinylformen.
Inspiriert von einem Jahr, das sie in Japan verbrachte, hörte Nengudi Ende der Sechzigerjahre auf, diese flüchtigen und manchmal partizipativen Werke herzustellen, nachdem Anfang der Siebzigerjahre das kommerzielle Wasserbett eingeführt wurde.
Obwohl es sich um Rekonstruktionen der verlorenen Originale handelt, sind Nengudis „Wasserzusammensetzungen“ dennoch die ältesten Werke in der Ausstellung. Sie fungieren als eine Art Ballast, der Wasser – diese Schlüsselzutat der Flüsse - in eine magische Wirklichkeit verwandelt, gegenwärtig, gefangen, aber dennoch wirksam.
