Der Kurator des Joburg Film Festivals (JFF), Nhlanhla Ndaba, erklärt, wie man überhaupt anfängt, mehr als 700 Filme in ein Festivalprogramm zu integrieren, indem er nicht mit Zahlen oder Tabellen beginnt, sondern mit einem Gefühl.
„Das erste, was wir tun“, sagt er mir, „ist, ein Thema zu entwickeln. Dieses Thema leitet alles.“
Das JFF 2026, das vom 3. bis 8. März stattfindet, steht unter dem ambivalenten und dennoch faszinierenden Motto „Feel the Frame“.
In diesem Jahr möchten Ndaba und das Führungsteam des Festivals, dass das Publikum über Regisseure und Hauptdarsteller hinausblickt und stattdessen genauer auf die unsichtbare Arbeit achtet, die das Kino möglich macht: Ton, Kameraführung, Schnitt, Kostüm, Make-up und Beleuchtung.
„Die Menschen hinter den Kulissen werden oft vernachlässigt“, sagt Ndaba.
„Aber sie sind es, die die Dinge in Gang setzen.“
Es ist eine Idee, die besonders in einem Moment, in dem die südafrikanische Film- und Fernsehindustrie unter starkem Druck steht, besonders resonant wirkt.
Bevor das Gespräch sich jedoch um Krise und Überleben dreht, möchte Ndaba über Handwerk, über Kino als etwas sprechen, das erlebt und nicht nur konsumiert werden sollte. Diese Philosophie prägt das Festivalprogramm auf vielfältige Weise.
Während des Großteils seiner Geschichte arbeitete das Joburg Film Festival durch direkte Kuratierung: Das Team suchte nach Filmen, anstatt Einreichungen einzuladen. Aber Ndaba erkannte, dass etwas fehlte.
„Wir bekamen nicht genug prominente afrikanische und südafrikanische Filme“, sagt er. „Und als ich genauer nachforschte, fand ich heraus, dass viele Filmemacher nicht einmal wussten, wie sie sich für das Festival bewerben konnten oder dass sie es konnten.“
Die Lösung war einfach, aber bahnbrechend: ein offener Aufruf, mit einem besonderen Schwerpunkt auf afrikanischem Kino.
Die Resonanz ist dramatisch gewachsen. Die diesjährige Ausgabe erhielt 770 Einreichungen aus 98 Ländern, darunter 691 Filme über den offenen Aufruf und 87 von Vertriebsfirmen, mit denen das Festival langjährige Beziehungen pflegt.
„Es klingt aufregend“, sagt Ndaba lachend, „aber es ist beängstigend.“
Das Ansehen so vieler Filme fair, nachdenklich und sorgfältig erfordert eine Infrastruktur. Zum ersten Mal holte das Festival ein Team von vier Filmlesern aus verschiedenen Bereichen der Branche ein, um bei dem ersten Sichtungsprozess zu helfen.
„Wir wollten nicht, dass die Arbeit von jemandem im Nichts verschwindet“, erklärt Ndaba. „Jeder Film verdient es, richtig gesehen zu werden.“
Jeder Film wird anhand mehrerer Kriterien bewertet: Geschichte, Regie, Leistung, Schnitt, Ton und Musik. Um weiterzukommen, muss ein Film mindestens acht von zehn Punkten erreichen.
„Wir setzen die Messlatte hoch“, gibt er zu.
„Manchmal fühlt es sich an, als würden wir uns ins eigene Fleisch schneiden. Aber Standards sind wichtig.“
Die Strenge ist beabsichtigt. Ndaba spricht offen darüber, dass er eine lokale Branche herausfordern möchte, die seiner Meinung nach zu bequem geworden ist, vertraute visuelle und narrative Tropen zu wiederholen.
„Es ist nichts falsch an Kasi-Geschichten“, sagt er. „Sie sind ein guter Einstieg. Aber man kann nicht für immer dort bleiben. Man muss sich weiterentwickeln.“
Aus diesen Hunderten von Einreichungen wählt das Leseteam das Feld auf etwa 120 Filme ein. Von dort aus übernehmen Ndaba und sein Festivalprogrammierer Jack Chiang, um schließlich 123 Filme auszuwählen: 60 Spielfilme und 63 Kurzfilme, gruppiert in thematische 90-minütige Blöcke.
Afrikanische Filme haben Priorität, aber nicht automatisch.
„Wir werden deinen Film nicht nur nehmen, weil er afrikanisch ist“, sagt Ndaba. „Die Geschichte muss immer noch funktionieren.“
Wenn ich Ndaba nach den in diesem Jahr am stärksten herausragenden Themen frage, spricht er über Familie, Migration, Kolonialismus, Patriarchat, Altern, Selbstbestimmung und Krieg.
Es sind schwere Worte, aber die von ihm hervorgehobenen Filme behandeln sie mit Feingefühl und emotionaler Tiefe.
Einer der beeindruckendsten Titel ist „1001 Frames“ der iranischen Filmemacherin Mehrnoush Alia, ein Film, der Macht, Ausbeutung und toxische Männlichkeit innerhalb patriarchaler Systeme, einschließlich der Filmindustrie selbst, hinterfragt.
„Es geht darum, wie Frauen unter Druck agieren“, sagt Ndaba. „Und wie sie widerstehen.“
Das Festival hat sich mit der gemeinnützigen Organisation Sisters Working in Film zusammengetan, um eine Post-Screening-Panel-Diskussion über realen Missbrauch und Ausbeutungserfahrungen an südafrikanischen Filmsets zu veranstalten, ein Beispiel dafür, wie Feel the Frame über die Leinwand hinausgeht und in schwierige, notwendige Gespräche übergeht.
Ein weiterer iranischer Film, „It Was Just an Accident“ von Jafar Panahi, kommt mit einer schweren politischen Aufladung. Panahi drehte den Film, während er unter Hausarrest stand, und seitdem wurde auch sein Kameramann verhaftet.
„Der Film handelt von Zensur und den psychologischen Folgen des Autoritarismus“, sagt Ndaba.
„Die Tatsache, dass Menschen verhaftet wurden, weil sie ihn gemacht haben, sagt bereits alles.“
Näher zu Hause, „Kabelo“, inszeniert von Carl Houston McMillan und mit Warren Masemola in der Hauptrolle, erforscht Identität, Aspiration und Ausbeutung; die stillen Drücke, die bestimmen, wen wir bewundern und warum.
„Es fragt: Wen bewunderst du?“, sagt Ndaba. „Und was sagt das über dich aus?“
Wenn Feel the Frame darum geht, Dinge anders zu betrachten, dann verkörpern Filme wie „Kokuho“ dieses Ethos. Der japanische, für den Oscar nominierte Titel erforscht Meisterschaft, Opfer und die Spannung zwischen ererbtem Status und verdienter Exzellenz.
„Es hinterfragt, was es wirklich bedeutet, außergewöhnlich zu sein“, erklärt Ndaba. „Und wer entscheidet darüber.“
Diese Spannung zieht sich auch durch „Late Fame“, in dem Willem Dafoe als pensionierter Dichter unerwartet von einer jüngeren Generation wieder ins Rampenlicht gezogen wird. Der Film meditiert über Nostalgie, Vermächtnis und den unbequemen Raum zwischen Ehrfurcht und Projektion.
„Sie sehen ihn als lebende Legende“, sagt Ndaba. „Er nicht.“
Technologie und Autorschaft rücken in „Memory of Princess Mumbi“, einem kenianischen Mockumentary von Damien Hauser, das KI sowohl als Werkzeug als auch als Thema verwendet, in den Fokus.
„Es geht um Authentizität in einer Welt, die von Algorithmen geprägt ist, und was menschliche Verbindung jetzt bedeutet“, sagt Ndaba.
Aber vielleicht ist der still radikalste Film, den Ndaba erwähnt, „Retreat“, ein Thriller von Ted Evans, der taub ist, mit einer vollständig tauben Besetzung.
„Es zeigt, wie Ton und Beleuchtung eine Geschichte erzählen können“, sagt Ndaba. „Auch ohne Ton.“
In einer Kommune unter Bedrohung angesiedelt, verlässt sich der Film auf visuelle Spannung, Bewegung und Atmosphäre.
Ndaba besteht darauf, dass selbst wenn die Untertitel entfernt würden, die Geschichte lesbar bleiben würde, eine tiefgreifende Erinnerung an die expressive Bandbreite des Kinos.
Afrikanisches Kino bleibt jedoch der Herzschlag des Festivals. Der ghanaische Filmemacher Zoey Martinson’s „The Fisherman“, der erste ghanaische Film, der für das Cannes Film Festival ausgewählt wurde, interpretiert Folklore neu, um generationale Spannungen, Tradition und Moderne zu erforschen.
Es gibt einen sprechenden Fisch, ja, aber auch eine Meditation über Ambition und Kompromiss in einer sich schnell verändernden Gesellschaft.
Aus Südafrika stammt „The Trek“ von Meekaaeel Adam, der ausschließlich im Karoo spielt und durch übernatürliche Kräfte gerahmt ist, die eine holländische Familie des 19. Jahrhunderts auf umstrittenem Land heimsuchen.
„Das Land ist nicht nur ein Hintergrund“, sagt Ndaba.
„Es lebt. Es richtet über sie.“
Der Film hinterfragt den Kolonialismus nicht als Geschichte, sondern als fortwährende moralische und spirituelle Abrechnung, ein Thema, das in diesem Moment besonders dringlich erscheint.
Angesichts der aktuellen Turbulenzen in der lokalen Branche, darunter schrumpfende Budgets, stockende Rabatte und weit verbreitete Arbeitsplatzverluste, frage ich Ndaba, welche Rolle ein Festival realistischerweise spielen kann.
„Ein Festival geht nicht nur um Filme“, sagt er. „Es geht darum, Menschen in denselben Raum zu bringen.“
Durch JBX Talks veranstaltet das Joburg Film Festival Branchendiskussionen mit Produzenten, Geldgebern, Regierungsbehörden und Filmemachern; Gespräche, die an anderen Orten oft unmöglich sind.
„Bei einer Protestaktion übergibst du ein Memorandum“, sagt Ndaba. „Hier sprichst du tatsächlich.“
Er spricht offen über die Bedeutung des DTIC-Rabatts und erinnert sich daran, wie er es ermöglichte, Filme, an denen er für Netflix gearbeitet hat, fertigzustellen.
„Ohne ihn hätten wir einen Fehlbetrag von 50% gehabt“, sagt er. “Das ist die Realität.“
Für Ndaba ist das Festival sowohl Spiegel als auch Treffpunkt, der den Zustand des Kinos widerspiegelt und Raum bietet, um Alternativen zu imaginieren.
„Wir müssen über die Zukunft sprechen“, sagt er. „Streaming-Anbieter, Finanzierungsmodelle, internationale Zusammenarbeit. Diese Gespräche können nicht warten.“
Als unser Gespräch zu Ende geht, denke ich wieder über das Thema des Festivals nach. Feel the Frame ist sowohl eine Anweisung, das Handwerk zu bemerken, als auch eine Einladung, sich mit Unbehagen, Komplexität und Sorgfalt auseinanderzusetzen, um Kino als etwas Schichtiges und Lebendiges zu erleben.
Von taubgeführten Thrillern über AI-infundierte Mockumentaries, von iranischem politischem Widerstand über ghanaische Volkserzählungen bis hin zu Karoo-siedelnden Abrechnungen verspricht das Joburg Film Festival 2026 ein Programm, das uns dazu auffordert, aufmerksam zu sein.